Pour ce deuxième numéro de Versus, j'ai choisi de vous parler de "Jane Eyre" et de ses trois adaptations en film. Pourquoi trois ? Parce que celle de Robert Stevenson avec Orson Welles est la plus charismatique à mon avis, celle de Zeffirelli propose à l'affiche de grandes pointures du cinéma et celle de Fukunaga est la plus récente puisqu'elle sera dans les salles françaises ce mercredi.

Dans le film de 1944, Joan Fontaine joue le rôle-titre. Elle l'incarne avec beaucoup de détermination et de retenue, dans un savant mélange de force et de fragilité à la fois. Difficile de qualifier cette magnifique interprétation, surtout face au charisme d'Orson Welles. Elle fait preuve d'une grande volonté mêlée à une certaine hésitation qui convient à ce personnage romanesque.

Charlotte Gainsbourg m'a surprise par son interprétation parfois impassible, souvent sans expression. On note quelques scènes où elle est convaincante, mais si peu. Actrice talentueuse, elle joue une Jane Eyre fade malgré un physique qui correspond au roman. Le caractère de Jane et sa vivacité d'esprit ne sont pas perceptibles, dommage.

Quant à Mia Wasikowska, elle joue l'héroïne de Charlotte Brontë de façon discrète, juste comme il faut. Jane a une façon de penser bien à elle et très individualiste. On voit qu'elle en a une vision différente de ses consœurs : elle ne la considère pas comme une victime malgré tout ce qui lui arrive et essaie de lui donner une force de caractère impressionnante. On le voit par ses expressions, son regard et ses postures corporelles.

Orson Welles est resté mythique dans ce rôle : comme s'il avait été créé pour lui, il endosse le costume de Rochester de façon magistrale, lui donnant un côté baroque ombrageux. Parfois, on tend même vers le gothique. Avec une voix qu'on croirait sortie d'outre tombe, tant elle est grave, l'acteur force parfois le trait. Cependant, il incarne tellement l'idée que l'on se fait de l'inquiétant Rochester qu'on ne lui en tient pas rigueur. L'aura ambiguë qui l'entoure est inimitable.

William Hurt incarne un Rochester plus brutal, plus soudain et plus rude. La stature du comédien ne correspond pas physiquement mais ne dénature pas le rôle. Là où ça pêche, c'est par la finesse du personnage: il s'apparente davantage à un libertin blasé et déprimé qu'à un être torturé par ses erreurs de jeunesse.

Enfin, Michael Fassbender nous propose un Rochester sombre, inquiétant, narquois, plein de raillerie moqueuse. Physiquement, le plus beau Rochester mais pas le plus conforme au roman.

C'est pas grave car il est très charismatique et correspond bien à l'idée que l'on se fait de la complexité psychologique du héros romanesque.

Dans la version de 1944 ainsi que dans celle de 1996, le film débute par une voix-off, celle de Jane Eyre, qui nous plante le décor. Elle a été accueilli à contre cœur par sa tante à Gateshead et élevée en subissant brimades et moqueries, coups et mauvais traitements. La version de Fukunaga procède par flash-back, aucune voix off, juste des scènes primordiales, comme l'enfermement de la petite dans la chambre rouge ou encore les coups subis par John Reed, le fils de la maison. On comprend aussi l'esprit rebelle qui anime

Jane.

La scène où Jane rencontre pour la première fois le cruel Mr Brockelhurst est primordiale : elle permet de voir l'esprit combatif de Jane et sa franchise. Bien respectée dans les trois versions, elle est très courte dans celle de 2011 alors qu'elle dure longtemps dans la version de 1944.

À Lowood, l'institution où la place sa tante, Jane va connaître privations, maltraitances, froid. Tout ceci va lui endurcir le caractère. Elle va également connaître le grand chagrin de perdre son amie Helen Burns. Cette scène nous arrache le cœur dans la version de Stevenson, Zeffirelli nous propose une version expurgée de certains traitements subis par l'enfant, tandis que Fukunaga l'évoque très rapidement. Ce dernier oublie sciemment de parler de Miss Temple, personnage bienveillant qui veille sur Jane, alors que les autres insistent sur ce rôle, surtout en 1944.

Thornfield

Plus tard, une scène clé de l'histoire, est traitée de façon semblable dans les trois films : la rencontre de Jane avec le maître de Thornfield, Edward Rochester. Alors qu'elle se rend à la poste en fin d'après midi, c'est au détour d'un chemin qu'elle provoque la chute du cheval et de son employeur, qui dira qu'elle est un elfe égaré. La mise en scène de 1944 reste la plus impressionnante, Orson Welles étant le plus brusque des trois acteurs. La forte impression qu'il lui fait est très bien filmé dans deux des trois œuvres.

En 1996, elle se passe de jour et la musique pollue l'atmosphère. La scène ne peut causer une forte impression à Jane, si ce n'est la brusquerie des paroles de Rochester : de façon à peine perceptible elle entend des aboiements de chien (il s'agit de Pilot) et le galop étouffé d'un cheval, puis la chute.

En 2011, la rencontre de Jane et Rochester est pleine de mystère et de tension. La scène se passe également en plein brouillard alors que la jeune fille se fige sur le chemin en entendant des bruits suspects : une certaine frayeur fait son apparition. J'aime bien la bande sonore de Fukunaga car elle illustre parfaitement ce qu'on pourrait entendre dans la campagne anglaise à cette heure de la journée. Des oiseaux qui s'envolent à l'approche de Jane la faisant sursauter. Des cris (renards peut-être), des bruissements de feuilles, le souffle du vent, la rivière et le grincement des branches. Vraiment excellent ! On est mis dans l'ambiance immédiatement. Dans les bois, seule, Jane est impressionnable : elle est tout à coup surprise par le hennissement du cheval qui, soudain, surgit devant elle, effrayé. Il cabre et trébuche, « foulant » la cheville de son maître. À aucun moment, l'homme ne se présente à Jane comme étant le maître de Thornfield. Le spectateur comprend dès lors qui lui ménage la surprise, nous laissant imaginer un caractère un peu retors ou du moins dissimulateur.

Adèle

Elle se retrouve perdue dans la lande. Cette partie de l'histoire a été totalement ignorée par Stevenson. Seules les autres versions en parlent. Elle est recueillie par St John Rivers et ses sœurs : il s'avère qu'elle apprendra qu'ils sont ses cousins.

Pendant une année, elle se tiendra éloignée de Thornfield, travaillant comme institutrice pour les enfants de paysans du petit village. Peu à peu, elle se reconstruit et tente d'oublier son passé. Mais un jour, elle entend une voix l'appeler : Jane, Jane...Elle reconnaît la voix de Rochester et décide de retourner à Thornfield malgré la demande en mariage de St John.

Retour à Thornfield

Le retour est particulièrement romanesque, plein de suspense : on ne sait pas ce qu'elle va trouver en arrivant et si Rochester voudra toujours d'elle. Elle apprend qu'un incendie a ravagé le château et que Bertha est morte en se jetant dans le vide. Dans la version de 1944, on ne voit pas l'incendie. Stevenson préfère nous montrer les ravages qu'il a causé : Mme Fairfax raconte en détails les événements devant les yeux ébahis de Jane. En 1996, Zeffirelli nous donne un aperçu de l'incendie et du courage héroïque du maître de maison. En 2011, Fukunaga l'évoque par la bouche de Mme Fairfax, qui raconte les circonstances de l'incendie de la même façon que Stevenson.

Les retrouvailles ne se valent pas dans les trois versions, même si elles sont toutes plus émouvantes les unes que les autres. En 1944, la barbe de Rochester a poussée et il a perdu la vue. Le baiser de cinéma qu'échangent Orson Welles et Joan Fontaine est très beau accompagné par le lyrisme d' Herrmann. Le plan est très rapproché, centré sur le visage des acteurs. Jane est en adoration devant l'homme qu'elle aime et lui redit son amour. D'abord incrédule, Rochester est ému de la voir si près de lui et sa voix manque de fermeté : il tremble presque devant elle. Très jolie composition d'Orson Welles.

La version de Zeffirelli nous propose cette fois un plan plus large, avec un Rochester défiguré et aveugle, échevelé, vraiment pas glamour. La scène manque de conviction, les acteurs étant trop effacés. La fougue fait défaut à Charlotte Gainsbourg lorsqu'elle s'adresse à William Hurt. Et ce dernier ne met pas suffisamment en valeur son incrédulité de la voir près de lui. Ça manque cruellement d'émotion, et je trouve que les acteurs ne sont pas sur la même longueur d'onde. De plus, l'endroit où se passent ces retrouvailles n'est pas propice au romantisme (contrairement au film de Fukunaga). Spartiate (ça c'est normal) l'endroit est sombre. Peut-être est-ce un parti pris du réalisateur afin de mettre en lumière les personnages ? D'ailleurs, la robe de Jane est claire et attire la lumière, comme si on voulait nous faire comprendre qu'elle ramène une lueur d'espoir. Ce moment est si délicat qu'il ne fallait pas le manquer. Ici, c'est le cas. Mais ce n'est que mon humble avis.

A contrario, j'ai particulièrement aimé le traitement de cette scène dans la version de Fukunaga, tendre et pleine de sensibilité avec une Jane remplie d'espoir et un Rochester incrédule de la voir revenir. C'est magnifiquement interprété, avec tendresse et sensibilité. La délicatesse de Mia/Jane complète l'hésitation de Mickaël/Rochester. Elle verse des larmes d'émotion et sourit timidement, tandis que lui montre un manque d’assurance face à la réaction de Jane par rapport à ce qu'il est devenu. 

On entend des chuchotements, des soupirs assez longs comme s'il laissait comprendre son soulagement de la revoir. Ces retrouvailles se passent à l'extérieur, on l'entend et c'est important. La bande sonore de ce film est parfaite. Ce duo est tout à fait crédible et plein de charme. Un bémol cependant: qu'est-ce que c'est que cette barbe rousse !!?? Pff, côté physique, ils auraient pu faire un effort : c'est dommage. Heureusement, ça s'oublie vite, grâce à l'excellente interprétation et à l'alchimie des deux acteurs.